LA MÚSICA EN EL ROMANTICISMO

LA MÚSICA EN EL ROMANTICISMO:

1.       CARACTERÍSTICAS GENERALES:

·         El principal movimiento estético del siglo XIX es el romanticismo que se caracteriza por la búsqueda de lo emocionante, lo fantástico, novelesco, sublime… en contraposición con el racionalismo del clasicismo.

·         Consideran la música como la más romántica de todas las artes pues el lenguaje musical es mucho más abstracto que el literario, pintura o escultura.

·         El artista es considerado un genio a veces incomprendido por la sociedad. Dejan de trabajar para otros creando lo que les dicta su corazón y no por encargo.

·         Surge un interés por el folclore y el saber popular que desemboca en el nacionalismo. Las músicas recopilan las canciones populares en cancioneros e introducen estas melodías en sus obras.

·         El piano desarrollado definitivamente se convierte en el instrumento rey del romanticismo.

·         Durante el siglo XIX se desarrollan estilos operísticos diferentes en los principales países europeos.

·         En cuanto al baile se desarrollan bailes de salón, el vals y con especial interés el ballet romántico.

·         La música instrumental adquiere una enorme importancia dividiendo su repertorio en obras sinfónicas o de música de cámara.

·         En la música vocal destaca la aparición del lied o canción alemana.

·         Musicalmente destacamos como elementos del romanticismo la libertad de tempo (estilo rubato), la melodía infinita y el leimotiv.

2.       PRINCIPALES TEMAS DEL ROMANTICISMO:

a)      Lo desconocido, lo extraño y lo impredecible.

b)      El pasado medieval. Ruinas de iglesias góticas es por ejemplo un tema muy frecuente.

c)       Lo exótico, lo procedente de otras culturas, sobre todo la oriental como la china y la japonesa.

d)      La noche misteriosa. La muerte, sobre todo en la juventud.

e)      El amor incontrolable y la naturaleza salvaje.

f)       Seres fantásticos como brujas, fantasmas…Lo terrorífico.

g)      El folclore.

3.       ELEMENTOS MUSICALES DEL ROMANTICISMO:

·         Estilo rubato: durante el siglo XIX la música se interpretaba con un tempo más libre en el que los pulsos musicales no tenían siempre la misma velocidad sino que podían ir más lento o más rápido según la expresividad que quisiera dar el compositor. Era muy usado en piezas románticas para piano.

·         Melodía romántica: en el clasicismo las frases eran simétricas y con ocho compases, estas se utilizaban también en el clasicismo pero cada vez más se fueron sustituyendo por frases más largas. La melodía infinita descrita por Wagner se refería a frases musicales que parecían no tener fin para aumentar la tensión.

·         LEIMOTIV: tema musical que aparece varias veces a lo largo de una pieza y que se asocia a una idea concreta al margen de la música (un personaje, objeto, lugar…). Es una referencia auditiva que confiere unidad y coherencia al discurso musical. A técnica del leimotiv fue muy usada por los músicos románticos. Wagner usaba mucho esta técnica.

4.       EL LIED: es una pieza breve compuesta para voz y piano. Significa canción en alemán y es un género muy importante en el Romanticismo alemán. Schubert compuso más de seiscientos, los más importantes son la vieja molinera y viaje de invierno. Uno de los más conocidos es la muerte y la doncella que representa un diálogo entre una chica joven y la muerte que viene a buscarla y aparece bajo la forma de un terrible hombre de huesos. La muchacha tiene miedo e intenta huir pero la muerte finalmente se la lleva. La muerte en la juventud es uno de los temas más recurrentes del romanticismo.

5.       LA MÚSICA INSTRUMENTAL: EL PIANO:

·         PIANO SOLO:

-          Obras breves que permiten expresar de manera íntima e individual la sensibilidad del intérprete. Hay estilizaciones de danzas del momento (vals, mazurca, escocesa, polonesa…) y obras de carácter improvisto de virtuosismo, fantasía, impronto, preludio y nocturno.

-          Sonata: de mayor extensión.

·         MÚSICA DE CÁMARA:

-          Tríos, cuartetos, quintetos… con piano que pueden dar conciertos públicos o audiciones privadas.

-          Acompañamiento a un solista (lied: voz y piano).

·         MÚSICA SINFÓNICA: el concierto para piano solista de grandes dimensiones se impuso sobre todos los demás.

6.       MÚSICA DE CAMARA Y MÚSICA ORQUESTAL: el repertorio de cámara en el siglo XIX es abundante. El cuarteto de cuerda se consolidó como la formación preferida por los compositores. En el siglo XIX las orquestas se amplían en la sección de viento metas (tubas, trombones…) y en percusión (platos, cajas, bombos…) Las trompas y trompetas se mejoraron con un sistema de pitones que facilitaban una buena afinación. Los instrumentos de madera se mejoraron con un complejo sistema de llaves. Por último se incorporaron a la orquesta instrumentos como el arpa o el piano.

7.       LA DANZA Y EL BALLET: debido a los cambios sociales del siglo XIX las danzas cortesanas hasta ese momento fueron sustituidas por nuevas danzas de salón. Surgieron muchas danzas de carácter más marcado y enérgico que se popularizaron en los salones de baile y las grandes capitales europeas. La danza más popular era el vals, que era una danza ternaria y rápida de origen alemán. Estuvo especialmente de moda en Viena gracias a Johann Strauss padre e hijo. El estreno de la Sylphide en París en 1832 fue el acontecimiento de marcó el inicio del ballet romántico. Las bailarinas bailaban sobre puntas con un vestido ajustado a la cintura y una falda ligera y vaporosa a la altura de la rodilla. Nació así el ballet romántico.

8.       LA MÚSICA NACIONALISTA: a lo largo del siglo XIX se produjo un gran auge de los nacionalismos en Europa. Como reacción al imperialismo de las grandes potencias y al espíritu del clasicismo, los artistas e intelectuales de países menos relevantes como Rusia, Checoslovaquia, España, Suecia y Noruega se interesaron por recuperar su identidad cultural (folclore, costumbres…) Por ello la música se convirtió en un elemento ideal para ensalzar las virtudes de un país por lo que estos compositores encontrarían en las melodías y ritmos populares del folclore un recurso muy efectivo.

Los géneros preferidos por los compositores nacionalistas son el poema sinfónico y la ópera.

9.       OBRAS Y COMPOSITORES:

Verdi: Otelo, Rigoletto, Nabucco, la Traviata, Aida y Faltaff.

Bellini: Norma

Wagner: Tristán e Isolda, El ocaso de los dioses, el holandés errante, Lohengrin, la tetralogía de El anillo del Nibelungo

Chopin: balada nº1

Schubert: la muerte y la doncella, la bella molinera, viaje de invierno, cuarteto de cuerda en mi menor Rosamunda, cuarteto de cuerda nº14.

Rossini: Guillermo Tell

Donizetti: el elixir del amor.

Weber: el cazador furtivo

Bizet: Carmen

Jacques Offenbach: los cuentos de Hoffmann

Tchaikovsky: el lago de los cisnes, la bella durmiente y el cascanueces.

Borodin: danzas polovotsianas

Dvorak: Danza Eslava nº10

LA MÚSICA EN EL CLASICISMO:

LA MÚSICA EN EL CLASICISMO: 1. CARACTERÍSTICAS GENERALES: • llamamos clasicismo al estilo musical que abarca de 1750 a 1820. • Es un periodo marcado por el racionalismo (la razón por encima de todas las cosas). • Acepciones de clásico en la música: - obra o autor perteneciente a este periodo. - Obra o autor que por su calidad ha perdurado en el tiempo. • La música del clasicismo sobretodo en sus inicios busca la sencillez, la claridad, ser más accesible y equilibrada y eliminar la complejidad del Barroco. • Se consolidad el ascenso de la burguesía con lo que se modifica la vida cultural de la sociedad lo que provoca la aparición de los conciertos públicos. • Los conciertos públicos favorecen la emancipación de los compositores de sus mecenas aunque el mecenazgo no desaparece por completo. • La forma musical más importante es la sonata clásica que aparece en multitud de obras. • Los géneros de mayor éxito son la sinfonía, el concierto con solista, sonatas para piano a cuarteto de cuerda, ópera… • La ópera es el género que más oportunidades de éxito presenta para los compositores. • Los compositores más importantes son W.A. Mozart, Haydn, Boccherini, y Beethoven en la primera parte de sus obras. 2. COMENTARIOS DE TEXTO: LO EXTRAORDINARIO DE Mozart era que a pesar de ser un niño era un genio, por ello, su padre, en actitud oportunista, realiza un plan para que su hijo abandone su infancia y trabaje su talento. Mozart ya adulto escribe una carta explicando como una de sus óperas será una obra maestra. 3. ÓPERA Y SINFONÍA EN EL CLASICISMO: el clasicismo busca una música sencilla, clara y accesible, por eso se abandonan los principios básicos del barroco para adoptar otros basados en el equilibrio, la claridad y la simetría. Sinfonía: género orquestal del clasicismo que se compone de tres o cuatro movimientos que son secciones separadas. Haydn compuso más de cien sinfonías. 4. OBRAS Y COMPOSITORES: - Rousseau: le devin du village. - Haydn: sinfonía número 56, cuarteto 76 emperador. - Mozart: concierto número cuatro para trompa, pequeña serenata nocturna, Rondó para piano y orquesta en re mayor k 38, Don Giovanni y la flauta mágica. - Beethoven: sonata catorce para piano claro de luna. - Boccherini: la música nocturna de las calles de Madrid. - Rachmaniov: concierto número dos para piano y orquesta. 5. LA SONATA CLÁSICA: en el clasicismo la música instrumental gira en torno a la forma, es decir, al orden de las frases musicales. Esta organización se denomina forma musical (estructura de una obra basada en la repetición o el contraste). • SONATA: composición de cuatro movimientos dominantes en la música instrumental a partir del segundo tercio del siglo XVIII. Llamamos sonata a las composiciones para uno o dos instrumentos, tríos, cuartetos… y a las sonatas para orquestas se les llama sinfonías y a las de solista con orquesta se les llama concierto. Todas siguen esta estructura: - primer movimiento: allegro en forma sonata. - Segundo movimiento: lento en forma de aria. - Tercer movimiento: moderato en forma de minueto. - Cuarto movimiento: allegro en forma de rondó. • FORMA SONATA: estructura musical del primer movimiento de la sonata clásica. Consta de tres partes en torno a dos temas. - exposición: normalmente se repite y puede haber introducción. El tema principal en tonalidad tónica es A. Puente de modulación (cambia la tonalidad) a B (dominante) luego hay un puente y se cierra en tonalidad dominante con una coda. Finalmente de repite la exposición. - Desarrollo: no siempre se repite. Da más libertad al compositor que puede transformar los temas o crear algo nuevo. Tiene modulaciones continuas y cambios de tonalidad constantes. - Reexposición: A (puente no modulante), B (cambia sus notas para estar en la tonalidad de A con el mismo resultado melódico) luego hay un puente y finalmente una coda. • FORMA DE ARIA: deriva del aria Da Capo muy frecuente en la ópera. Su estructura es: - Parte A: exposición completa del tema. Se inicia en tonalidad tónica y tras una modulación a la dominante se vuelve a la tonalidad inicial (tónica). - Parte B: la música contrasta con la primera parte. El contraste se consigue al usar la tonalidad dominante con distintos elementos expresivos a la primera sección. - Parte A: se repite la primera parte aunque con variaciones. En el primer periodo del clasicismo se dejaba al intérprete improvisar. • MINUETO: forma musical derivada de la suite cuya forma tripartita dará lugar al vals. - Minueto: se divide en dos partes que se repiten. //: A (TÓNICA)://: B (DOMINANTE)- A (TÓNICA):// - Trío: otras dos secciones que se repiten pero con la tónica distinta a la de la primera parte. //C (TÓNICA)://: D (DOMINANTE)- C (TÓNICA) :// - Vuelta al minueto: se repite la primera parte literalmente pero son repeticiones. Puede haber una coda. A-B-A • RONDÓ: forma que deriva de la danza del mismo nombre. Es, aunque con alguna variación, la forma de la mayoría de las canciones populares pues alterna estribillo (A) con estrofas (B,C,D…) en distintas tonalidades. A (TÓNICA)- B (DOMINANTE)- A- C (SUBDOMINANTE)- A- D (RELATIVA)- A… * ESTRUCTURA DE LA SONATA: no es fina ni en su orden ni en su composición. - hay sonatas en las que el segundo movimiento y el tercero intercambian su orden. - otras tienen como segundo movimiento un tema con variaciones. - en otras el segundo movimiento (lento) puede tener forma sonata o el cuarto movimiento puede ser un híbrido entre rondó y forma sonata llamado rondó-sonata.

LA MÚSICA EN EL BARROCO Y EN LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN

  

TEMA 4: LA MÚSICA EN EL BARROCO:

1.       CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO:

·         El barroco es un periodo histórico que abarca desde 1607, cuando se estrena la ópera de Monteverdi, hasta 1750 con la muerte de Johan Sebastian Bach.

·         El término barroco tiene sus orígenes en una connotación peyorativa. Aludía a algo extraño, excesivamente recargado y antinatural, lleno de modulaciones.

·         En las grandes Iglesias y palacios son frecuentes las capillas musicales y además el uso del policoralismo.

·         La música fue utilizada por las clases dominantes como vehículo de exhibición, de riqueza y de autoridad.

·         La ópera fue el género cortesano por excelencia : en sus comienzos estuvo restringida a la nobleza aunque más tarde llegaría a la burguesía ciudadana.

·         Normalmente los compositores trabajaban para mecenas o instituciones, es decir, personas con poder que financian y encargan obras a los artistas (Vivaldi, Haendel, Bach…)

·         Aparecen las academias: sociedades privadas que organizaban conciertos públicos de pago y que encargaban obras a los compositores y músicos.

·         El oficio de los compositores era gremial (estaban organizados por gremios), se aprendía al lado de un reconocido maestro.

·         Durante el siglo XVIII es frecuente encontrar varias veces la misma melodía en distintas obras, del mismo compositor, o incluso plagiadas en obras de otros. Ello originó las primeras batallas en torno a los derechos de autor.

2.       COMENTARIOS DE TEXTO:

A)     IL TEATRO ALLA MODA Y LA ÓPERA:

En el panfleto satírico de il teatro alla moda, publicado en 1720, el veneciano Benedetto Marcello critica satíricamente la sociedad operística de su época, los excesos y los amaneramientos, el divinismo de los cantantes, o los libretos y músicas llenos de clichés. El director se llamaba maestro de capilla, el compositor maestro de música y al cantante virtuos@.

B)      JOHANN SEBASTIAN BACH Y EL FINAL DEL BARROCO:

Se describe a Bach como un artista extraordinario, exigente y serio. El autor se refiere a la textura imitativa y contrapuntística. En las primeras líneas se describe a Bach y en las siguientes sus obras.

3.       LA TONALIDAD Y EL BAJO CONTÍNUO:

En el barroco se afianzó la tonalidad, es decir, había escala mayor y menor.

-          Chacona: forma musical de danza compuesta por un ostinato armónico sobre el que se realizan variaciones melódicas.

-          Ostinato: célula rítmica armónica o melódica que se repite continuamente.

-          Bajo continuo: es el acompañamiento típico de la música barroca y sirve de soporte armónico para las voces superiores. Lo interpretan una o varios instrumentos de la siguiente manera:

a)      Una línea melódica grave que aparece escrita en la partitura y que suele ser interpretada por el fagot, el violonchelo, la viola de gamba o la tiorua.

b)      Otro instrumento polífónico como el clave la guitarra o el órgano improvisan los acordes el acompañamiento basándose en el cifrado (los números) escritos en la partitura.

-          Fuga: composición que se basa en la exposición de un tema llamado sujeto y su contrapunto. El tema se va repitiendo basándose en la imitación en el mismo tono.

4.       MÚSICA VOCAL PROFANA Y RELIGIOSA:

En el barroco el género más importante era la ópera que contaba con un aria (sección en la que canta un personaje acompañado por una orquesta) donde encontramos las cadencias o reposos que aparecen continuamente separando las frases y semi- frases de la melodía. La música religiosa seguía siendo muy importante.

5.       EL BARROCO ESPECTACULAR DE HAENDEL:

Obras de Haendel concebidas para ceremonias y celebraciones de gran boato para las que el compositor usaba coros y orquestas de considerable tamaño

6.       LISTA DE OBRAS Y SUS COMPOSITORES:

Haendel: Zadok the Priest, Aleluya del Mesías. Rinaldo

Vivaldi: El invierno (de la obra completa de las cuatro estaciones). Gloria.

Joseph Bodin de Boismostier:   Don Quichotte chez la duchesse.

Piersimone agostini: el rapto de las sabinas.

Jahann Pachelbel: Canon.

Johann Sebastian Bach: concierto de Branderbürgo . La clave bien templado

Henry Purcell: sound the trumpet.

Lully: el burgués gentilhombre.

Marin Marais: Sonnerie de Sante Geneviève du Mont de Paris.

Monteverdi: madrigal Zefiro torna.

TEMA 8: LA MÚSICA EN LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN:

1.       La evolución de los medios de comunicación:

A finales del siglo XIX apareció el fonógrafo (primer aparato para grabar sonido) inventado por Edison. Más tarde apareció el gramófono, y después, en el siglo XX se inventó la cinta magnetofónica. Por esa misma época aparecieron los discos de vinilo que serían muy exitosos  hasta finales del siglo XX cuando aparecieron la grabación de sonido digital (el CD)  además también apareció el MP3. En el cine, inventado por los hermanos Lumière en el siglo XIX también incluían al principio música en directo y más tarde grabada en la película. En la radio y televisión actuales también hay música.

2.       MÚSICA EN EL CINE:

a)      Elementos:

-          Música diegética: es aquella que está justificada argumentalmente en la película, es decir, la escuchan los personajes.

-          Música extradiegética: No está justificada por el argumento y se le llama música de fondo. No es escuchada por los personajes solo por el espectador.

-          Leimotiv: tema musical asociado a un personaje, lugar o situación que puede variar ligeramente pero que siemre se mantiene reconocible.

b)      Funciones:

-          Descripción del movimiento: la música describe el movimiento. Se emplea en los dibujos animados (mickeymousing).

-          Contexto espacio-temporal: la música pude situar al espectador en un lugar y tiempo determinados.

-          Descripción de los personajes la música informa al espectador sobre el componente psicológico de los personajes, su ánimo y sus emociones.

-          Creación de ambientes: la música crea una atmósfera para la escena.

-          Nexo entre secuencias: tiene una función estructut¡ral al servir de nexo entre secuencias.

3.       CINE MUDO Y SONORO:

La primera película se estrenó el 28-12 de 1895 en París y la música era interpretada en directo por un pianista o conjunto de cámara.

El cantante de jazz (1927) fue la primera película sonora.

MÚSICA TEMA 3 : EL RENACIMIENTO

3. LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO:

* CARACTERÍSTICAS GENERALES:

a) renacimiento: etapa histórica que transcurrió entre los siglo xv-xvi y que alude a la recuperación del pensamiento y obras clásicas.

b) la música instrumental fue ganando terreno a la vocal.

c) la reforma y contrarreforma provocaron la aparición de nuevos géneros religiosos musicales dependiendo diferentes según el territorio.

d) la danza servía de entretenimiento en cortes palaciegas.

e) los artistas eran polifacéticos y estaban protegidos por mecenas que pagaban sus obras. La música se profesionalizó y las obras dejaron de ser anónimas.

f) música profana: se tocaba en ámbitos profesionales pero cada vez más en domésticos donde se usaba el laúd, la vihuela, el teclado y el davicénvalo solo o acompañado vocalmente.

g) en el siglo xvi aparecieron los primeros impresos de partituras musicales.

h) la música instrumental gana terreno a la vocal.

i) música vocal polifónica: la armonía y superposición de las notas originan una sonoridad mucho más grandiosa y plena. Los católicos y los protestantes tienen sus propios géneros para orar a Dios y atraer a los fieles. Se interpreta con instrumentos solistas o pequeñas agrupaciones lo que lleva a que se estudie la posibilidad de la música instrumental en solitario.

*LUTERO Y LA MÚSICA: se usaba para transmitir el Evangelio y orar a Dios. Se escribía en lenguas vernáculas para que el pueblo lo entendiese y participara.

* CORAL Y MOTETE:

a) coral: género protestante del renacimiento que se escribía en lenguas vernáculas, era homofónica  y silábica. Era un llamamiento del protestantismo a los alemanes.

b) motete: género católico del renacimiento que constaba de tres o cuatro voces en latín con textura contrapuntística y que alternaba melodías silábicas y melismáticas.

* VILLANCICO: Música vocal profana española más importante del renacimiento. Se canta homofónicamente y tiene temas amorosos, filosóficos, históricos, satíricos y pastoriles. El compositor más importante era Juan de Encina con “¡Ay triste que vengo!”. Aunque la música religiosa era muy importante poco a poco la profana va tomando importancia. Aparecieron otros géneros de tres o cuatro voces homofónicas con carácter popular y cuya música intentaba imitar el texto, son las chansons francesas, las ayre inglesas y madrigal italiana.

* MÚSICA INSTRUMENTAL:

Se tocaba en actos civiles. Se compuso para vihuela, laúd, teclados y agrupaciones de cámara.

Diferencias: variaciones más o menos complejas de temas populares. Otros géneros son improvisados (fantasía o tiento) y otros son adaptaciones instrumentales de temas vocales (canzona).

EJEMPLO: Guárdame las vacas (tema popular).

*Primeras diferencias para vihuela de Luis de Narváez.

*Segundas diferencias de Antonio cabezón: ciego desde muy pequeño fue uno de los instrumentistas más importantes de su época. Además fue músico de cámara de Carlos I y Felipe II.

-Tablatura: notación específica de instrumentos de cuerda con trastes que indica en que traste y cuerda hay que pulsar en cada momento del compás.

Instrumentos:

a) Vihuela: instrumento de cuerda con trastes y seis órdenes que era muy popular en la España del Renacimiento  y que tenía métodos para aficionados. Pero en el siglo XVI cayó ante la guitarra.

b) Órgano: sufrió muchas mejoras, como teclas más largas y sensibles al tacto, teclados de hasta cuatro octavas y fuelles con mayor capacidad de bombeo de aire.

*LA DANZA EN EL RENACIMIENTO:

Era muy importante pues servía de entretenimiento en Cortes y palacios. Se alternaban piezas lentas y binarias (Basse-dance, Pavana) con otras alegres de compás ternario  gallarda). Otros géneros fueron el Brante, el canario, la Courante y el Allemande.